Entrevista a Yog Sothoth (Michael Wilkes)

01. En primer lugar, nos gustaría preguntarte por la conexión existente entre tu música y el mundo literario de Howard Phillips Lovecraft. ¿Por qué elegiste “Yog Sothoth” como el nombre artístico de tu proyecto? ¿Tienes alguna intención de componer un álbum conceptual basado en algún relato específico de Lovecraft? Algo así como una banda sonora para una adaptación ficticia de uno de sus relatos...

Bueno, me gusta mucho la ciencia-ficción y el género del terror. No sólo películas, sino también libros y audiodramas (radioteatro) en CD. Y en el género del terror H.P. Lovecraft es muy popular. Me gustan sus cuentos, especialmente "The Call of Cthulhu" y "At the Mountains of Madness". Son realmente aterradores. Cuando me animé a hacer música otra vez, pensé durante un buen tiempo en un buen apodo que pudiera usar. Me gustaba mucho "Yog-Sothoth" en los cuentos de Lovecraft, así que finalmente utilicé ese nombre. Yo ya sabía que era utilizado por muchas personas con diferentes relaciones pero, afortunadamente, todavía no en la música electrónica ... Así que yo soy el Yog-Sothoth de música electrónica. Y es también un homenaje a Howard Phillips y su gran trabajo! Mi apodo está relacionado con H.P., así como también el título de dos pistas (“The Mountains of Madness” y “Rise of Cthulhu”), pero no me atrae lo de componer un álbum conceptual basado en un relato específico de Lovecraft ...

02.La música electrónica puede ayudarnos a alcanzar otros estados de consciencia... ¿piensas que es una forma de escapar de esta realidad y viajar a otros mundos?

Cuando yo era niño, me era muy fácil el relajarme. Cerraba los ojos, escuchaba música y comenzaba a soñar mientras estaba despierto. Sentía como si mi mente pudiera salir de mi cuerpo. ¡Era genial! Incluso cuando era adolescente me funcionaba. Pero cuando terminé la escuela y empecé a trabajar, se me hizo más y más difícil el poder relajarse. No podía liberar mis pensamientos, y tenía problemas para "concentrarme en nada". Así que probé a escuchar música New Age y de meditación para relajarme. Y funcionó ... La música electrónica me ayuda a relajarme y calmarme cuando estoy nervioso ... e incluso permite que mi mente viaje, a cualquier sitio que yo quiera ...

03. ¿Qué te gusta más, las composiciones rítmicas o los paisajes ambientales? ¿Por qué? Diría que tu música tiene mucha fuerza, pero también está dotada de hermosas melodías. ¿Hay algún plan de lanzar algún día en el futuro un álbum puramente ambiental?

Me gustan los dos, tanto la música rítmica y melódica como también los paisajes sonoros ambientales (por ejemplo, los de Brian Eno, Jonn Serrie o Michael Stearns). Muchas veces depende de mi estado de ánimo. Hay canciones que pueden darte un empujón, elevarte. Un ejemplo muy bueno sería el "So weit - gut so" de Harald Grosskopf. Cuando me siento deprimido o con sueño, esa canción puede llegar a animarme. Por otro lado, temas como "Quiet Friend" de Steve Roach o "Himalaya" de David Parsons pueden tranquilizarme cuando estoy nervioso. Me calman cuando no puedo dormir. En realidad, no tengo ningún plan para un álbum puramente ambiental, pero quién sabe, quizás algún día ...

04. ¿Qué música piensas que ha influido más tu estilo, la Escuela de Berlín o la música más melódica de artistas tales como Jean-Michel Jarre, Space...? Tu propio estilo es bastante ecléctico y tiene un toque muy personal.

¡Ésa es una muy buena pregunta! Cuando yo era niño en los años setenta, escuchaba a Jean-Michel Jarre, Kraftwerk y Space. Me encantaba su música y me influyeron mucho. Pero cuando escuché el álbum "En-Trance" de Klaus Schulze, que pertenecía a un colega mío, quedé totalmente fascinado y así la Escuela de Berlín entró en mi vida. Klaus Schulze, Tangerine Dream y Harald Grosskopf se convirtieron en mis músicos favoritos. Me encantaban sus sonidos y secuencias. Y, para ser honesto, a menudo me gusta hacer mi propia música en la línea de la Escuela de Berlín, pero cuando termino un nuevo tema, suena totalmente diferente. A veces me han dicho que tengo mi propio estilo rítmico y melódico, por lo que sería el mayor de los placeres si uno dijera que un tema suena a Yog-Sothoth.

05. ¡Este año ha visto el lanzamiento de, no uno, sino dos magníficos álbumes de Yog-Sothoth! "Prehistoric Dawn" y "Dreams of Mystery". ¿Qué puedes contarnos acerca de esos dos proyectos? ¿Tienes alguna anécdota o comentario que compartir con nosotros a propósito de los impresionantes temas "Rise of Cthulhu" y "Into Eternity"?

Bueno, hay una pequeña historia en relación con eso. En 1991, yo y un buen amigo mío, André Willms, hicimos algo de música electrónica, nos hacíamos llamar "Luz Mística". Sin embargo, nuestra música nunca llegó a ser publicada. A ese período pertenecen mis cuatro temas "Flights in Space", "Entropie", "Ancient Skies" y "Quasar". Dejamos de hacer nuestra propia música durante unos19 años, pero yo seguía escuchando música electrónica. En 2009 me puse en contacto con Axel Stupplich de Pyramid Peak. Nos hicimos amigos y él me inspiró para que hiciera mi propia música de nuevo. En enero de 2010 empecé con mi música, y mi nuevo apodo "Yog-Sothoth". Me acordé de mis viejas canciones de 1991 y las recompuse, componiendo además nuevo material. Con la ayuda de Daniel Fischer, un amigo de nuestro club local de astronomía, me puse en contacto con Sylvia Sommerfeld. Ella es la presidenta de la Schallwende eV, una sociedad dedicada a la música electrónica en Alemania. Me convertí en miembro de la Schallwende y conocí a un montón de autores de música electrónica. Y a principios de 2012, se me informó de que había sido nominado en la categoría de mejor recién llegado de 2011. Al principio, yo no me lo podía creer, dado que yo era un novato. Pero en marzo de 2012 realmente gané el premio Schallwelle al mejor debutante del 2011, entre otros grandes nominados como "Tax-5" o "Remember Green". Con el premio conseguí un contrato de grabación de un CD. Ése fue "Prehistoric Dawn", que es mi álbum de recién llegado. Cuando fue lanzado, aún me quedaban suficientes canciones como para llenar otro álbum. Por lo tanto, publiqué "Dreams of Mystery", que es sólo un CD-R. Con estos dos discos, conseguí publicar todos mis temas compuestos actualmente. Muchas gracias a CUE-Records y Groove Unlimited por ofrecer mis álbumes en sus tiendas online para compra. "Rise of Cthulhu" fue mi primer tema, en donde traté de conseguir un estilo un poco más electrónico y un poco más dinámico, y dejar así atrás mis viejas canciones. Algunas pocas personas me han dicho que "Into Eternity" suena como una espectacular música de cine, pero no estoy de acuerdo con eso, ya que tengo que admitir que este tema es uno de ésos que a mí, personalmente, no me gustan tanto como otros temas míos.

06. ¿En qué proyectos estás trabajando ahora mismo? ¿Algo que puedas compartir con nosotros? ¡¡¡Estamos deseando que saques ya un nuevo álbum de Yog-Sothoth!!!

¡Oh, muchas gracias! Yo y mi gran amigo André estaremos componiendo música juntos otra vez, así que vamos a reactivar Mystical Light. Mystical Light somos Michael Wilkes (Yog-Sothoth) y André Willms (Astral Cookies). Tenemos la intención de hacer un álbum juntos tomando temas individuales de Astral Cookies, temas individuales de Yog-Sothoth y temas compuestos conjuntamente entre los dos. Así que esperamos ofrecer nuevos álbumes en un periodo de tiempo más corto que si lo hubiéramos hecho por nuestra cuenta en solitario. Muchas veces me han ofrecido subir a un escenario, pero no me atrevo realmente. Por lo tanto, André y yo estaremos en un escenario juntos en abril de 2013, pero sólo para un breve concierto de tal vez una hora, ya que habrá más músicos que tocarán ese día también, como por ejemplo Pyramid Peak y The Voyager Project. Compuse una nueva canción titulada "The Awakening", con un adelanto que puedes encontrar en YouTube. El significado es el despertar de Mystical Light. Puedo decirte que todavía estoy activo y trabajando en un nuevo material. ¡Así que mantén los ojos abiertos, no sólo con respecto a Yog-Sothoth, sino también con respecto a Astral Cookies y Mystical Light!

(c) 2012 Luís Fernando Rodriguez Romero y Manuel Lemos Muradás.

 

01. First of all, we would like to ask you about the connection of your music with the literary world of Howard Philips Lovecraft. Why did you choose "Yog-Sothoth" as the artistic name of your project? Do you have any intentions of composing a conceptual album based on a specific tale by Lovecraft? Something like a soundtrack to an imaginary adaptation of one of his tales...

Well, I like the science-fiction and horror genre very much. Not only movies but also books and audio dramas on CD. And in the horror genre H.P. Lovecraft is very popular. I like his tales, especially "The Call of Cthulhu" and "At the Mountains of Madness". They are really scary. When I decided to make music again, I was thinking about a good nickname that I could use. I liked "Yog-Sothoth" in Lovecrafts tales very much, therefore I used that one. I knew it was used by many people in different relations, but fortunately not in electronic music yet... So I am the Yog-Sothoth of electronic music And it´s also a tribute to Howard Philips and his great work! My nickname is related to H.P., also the title of two tracks (The Mountains of Madness and Rise of Cthulhu), but I am not into composing a conceptual album based on a specific tale by Lovecraft...

--

02. Electronic music can help us reach other states of consciousness... do you think that it is a means of escaping this reality and reaching other worlds?

When I was a child, it was very easy for me to relax. I closed my eyes, listened to music and started dreaming, while I was awake. It felt like my mind could leave my body. It was great! Even as a teenager it worked. But when I finished school and started working, it became more and more difficult to me to relax. I could not release my thoughts, I had problems to "concentrate upon nothing". Therefore I tried listening to New Age and meditational music to relax myself. And it worked... Electronic music helps me to relax and calm down, when I´m nervous... and even lets my mind travel, wherever I want to...

--

03.What do you like most, rhythmic compositions or ambient soundscapes? Why? I would say that your music is quite powerful, but is also gifted with some beautiful melodies. Any plans of releasing one day in the future a purely ambient album?

I like both, rhythmic and melodic music and also ambient soundscapes (like Brian Eno, Jonn Serrie or Michael Stearns). It often depends on my mood. There are songs, that can push you, bring you higher. A very good example is Harald Grosskopf´s "So weit - so gut". When I´m feeling down or sleepy, that song can lift me up. On the other hand, songs like "Quiet friend" by Steve Roach or "Himalaya" by David Parsons can pull me down, when I´m nervous. They calm me down when I cannot sleep. I actually have no plans for a purely ambient album, but who knows, maybe one day...

--

04. Which music do you think has influenced your style the most, Berlin school or the more melodic music of artists such as Jean-Michel Jarre, Space...? Your own style is quite eclectic and has a very personal touch.

That´s a very good question! When I was a child in the seventies, I listened to Jean-Michel Jarre, Kraftwerk and Space. I loved their music and they influenced me very much. But when I listened to Klaus Schulze´s "En-Trance" album, that belonged to a colleague of mine, I was totally fascinated and Berlin school came into my life. Klaus Schulze, Tangerine Dream and Harald Grosskopf became my favorite musicians. I loved their sounds and sequences. And to be very honest, I often like to make my own music into Berlin school, but when a new song is finished, it sounds totally different. I was sometimes told that I got my own rhythmic and melodic style, therefore it would be the greatest pleasure if one would say, that a song sounds like typical Yog-Sothoth.

--

05. This year has seen the release of not one but two wonderful Yog-Sothoth albums! "Prehistoric Dawn" and "Dreams of Mystery". What can you tell us about these two projects? Do you have any anecdotes or comments to share with us regarding the amazing "Rise of Cthulhu" and "Into Eternity" tracks?

Well, there´s a little story to that. In 1991 me and a close friend of mine, André Willms, made some electronic music, we called ourselves "Mystical Light". But our music never got published. From that period were my four tracks "Flights in Space", "Entropie", "Ancient Skies" and "Quasar". We dropped making own music for 19 years, but I kept listening to electronic music. In 2009 I got in contact with Axel Stupplich from Pyramid Peak. We became friends and he inspired me to make own music again. In January 2010 I started with my music, and my new nickname "Yog-Sothoth". I remembered my old 1991 songs and recomposed them and also did new stuff. With the help of Daniel Fischer, a pal from our local astronomy club, I got in contact with Sylvia Sommerfeld. She´s the chairwoman of the Schallwende e.V., a society for electronic music in Germany. I became Schallwende member and met a lot of electronic musicians. And in early 2012, I was informed, that I got nominated for the best newcomer 2011. First, I couldn´t believe it, for I was a newbie. But in March 2012 I really won the Schallwelle award for best newcomer 2011, among other great nominees like "Tax-5" or "Remember Green". With the award I got a record contract for a CD. That was "Prehistoric Dawn", it´s my newcomer album. When it was released, I still had enough songs to fill another album. Therefore I published "Dreams of Mystery", which is a CD-R only. With these two albums, I got all my currently composed songs published. Many thanks to CUE-Records and Groove Unlimited, who offer my albums at their webshop for purchase. "Rise of Cthulhu" was my first track, where I tried to become a little more electronic style, a little faster and leave my old songs behind. A few people told me, that "Into Eternity" sounds like dramatic filmmusic, but I do not agree to that, for I have to admit, that this song is one of my tracks, that I personally do not like that much as other songs of mine

--

06. What projects are you working on right now? Anything you can share with us? We are really looking forward to a new Yog-Sothoth album!!!!!  

Oh, thank you so much!!! Me and my close friend André will be making music together again, so Mystical Light is reactivated Mystical Light are Michael Wilkes (Yog-Sothoth) and André Willms (Astral Cookies). We plan to make albums together by taking single tracks of Astral Cookies, single tracks of Yog-Sothoth and tracks, that we composed together. So we hope to offer new albums in a shorter period of time than making it all by yourself. I was often asked to go on stage, but I do not really dare. Therefore André and me will be on stage together in April 2013, but just a short gig of maybe an hour, because there will be more musicians to play that day aswell, like Pyramid Peak and The Voyager Project. I did a new song called "The Awakening", that you can find as a preview on YouTube. The meaning is the awakening of Mystical Light. I can tell you, that I am still active and working on new stuff. So keep your eyes open, not only for Yog-Sothoth, but also for Astral Cookies and for Mystical Light!!!

Entrevista a Mark Shreeve

1. Has colaborado con Stephen Parsick en su reciente trabajo de ['ramp], titulado "Stee and Steam". ¿Qué nos puedes contar de esta colaboración?

Stephan vino de visita al Reino Unido (hace unos 10 años, creo recordar)... puede incluso que haya estado aquí para dar algún concierto en algún lugar. En cualquier caso, se quedó con nosotros un par de noches. Durante ese tiempo nos metimos en el estudio que tengo en casa, yo usé mis sintes modulares y él el minimoog, PPG, Rhodes, etcétera.
Me encargo de intentar grabarlo todo, incluso las improvisaciones más "libres". Stephan me preguntó si podía llevarse una copia y, unos años más tarde, me envió un CDR de algo que había montado a partir de esas grabaciones. También había añadido material adicional suyo. Me alegré de que hubiera puesto a la venta esa música. Stephan permanece fiel a sus ideales en la música, lo cual es algo que admiro. Y también resulta ser una persona muy agradable.

2. ¿Cuál es tu diseñador de secuencias predilecto?

Realmente nunca he llegado a plantearme esa pregunta! Supongo que, si tuviera que hacer una elección, entonces me decantaría por el Moog... no tanto por sus prestaciones (que tampoco son tantas!), como por la facilidad con la que te permite hacer cambios constantes mientras dura la secuencia. Hay muchos otros secuenciadores analógicos disponibles con muchas más prestaciones... pero son horribles de usar, demasiado pequeños y complicados. Me quedo con el hermoso, físico y ENORME Moog 960 en cualquier momento!!!

3. Grupos como Redshift rescatan el sonido de la Escuela de Berlín de los 70, con impresionantes y poderosas secuencias y fascinantes a la vez que oscuros pasajes ambientales. ¿Sería preciso considerarte como uno de los padres de esta música electrónica inglesa inspirada en la Escuela de Berlín?

Dudo que cualquiera que empezara a hacer música electrónica a finales de los 70 o más tarde no estuviera influenciado por la música proveniente de Alemania en aquel momento (lo siento, pero realmente odio el término "Escuela de Berlín"... ¡no era una escuela y no provenía siempre de Berlín!). La oscura y primigenia música que se hacía entonces resonaba en mí de un modo profundamente emocional.

4. Tus colaboraciones con el compositor Ian Boddy, ya sea como ARC o como Redshift, son realmente impresionantes. ¿Qué diferencias existen entre ambos proyectos?

En el caso de Redshift, normalmente intentamos crear un estilo musical más denso, duro y oscuro, mientras que en el caso de ARC creo que hay un sentimiento más liviano, ¡incluso algunas melodías! Claramente, cuando un personal similar está implicado habrá, ocasionalmente, intercambios entre los dos proyectos. Como regla, aunque no siempre, la mayor parte de la música grabada en estudio de Redshift son trabajos míos en solitario.

5. Muchos de tus álbumes como Redshift (por ejemplo el último, el increíble "Colder") son grabaciones en directo. ¿Tenéis ya de antemano una idea clara de la música que vais a tocar?

No... y sí. Unas pocas semanas antes de un concierto empezaré a crear algunas secuencias básicas, graves o melódicas, para entonces enviárselas a quienquiera más que esté tocando conmigo como parte de Redshift en ese momento. Todos contribuimos  otras ideas para el resto de la música. Dado que todos vivimos en sitios diferentes, sólo estamos juntos durante unos pocos días antes del concierto, y es entonces cuando intentamos crear una cierta estructura, aunque holgada, en la música. Con esto quiero decir que siempre empiezo cada corte con un conjunto de secuencias decididas con antelación (aunque a menudo cambien durante el transcurso de la pieza). En realidad las escribo en papel de modo que, una vez que cada uno de los principales cortes del concierto haya acabado, tengo que volver a afinar, frenéticamente, las secuencias en la siguiente sección. Esto puede llegar a ser algo realmente espeluznante (¡una vez afiné un conjunto de secuencias en Mi menor cuando todas las demás estaban en Do menor!). Siempre grabamos los ensayos, las piezas pueden variar considerablemente en términos de estilo y duración, pero al menos tenemos una forma de holgada estructura con la que nos podemos sentir cómodos. Lo que pasa a menudo en el concierto en sí es que alguien (o, es más, varias personas) añada cosas que no esperábamos. Ningún ensayo suena como los demás... y la actuación en concierto es, de nuevo, diferente también.

6. Tu último trabajo en solitario, "Embryo", es del año 1998. ¿Hay algún plan de grabar un nuevo álbum en solitario en el futuro?

Bueno, "Embryo" es un álbum re-masterizado que grabé originalmente en el año 1978 (y que fue puesto a la venta en el año 1980 en cassette), así que, en cierto modo, no cuenta realmente. En este momento dudo que vaya a haber nuevo material en solitario (pero las cosas pueden cambiar, por supuesto).

7. ¿Quién te gusta más, Tangerine Dream o Klaus Schulze?

Desde mi punto de vista la música no debería dividirse en tablas de clasificación. No tiene sentido de todos modos, ya que cada individuo tiene un gusto musical totalmente único. ¿Es Beethoven mejor que Mozart? ¿Es Monet mejor que Van Gogh?... no significa nada. Si fueras a preguntarme qué obras musicales de esos dos artistas han tenido un mayor efecto emocional en mí entonces tendría que decir que "Mirage" de Klaus Schulze es absolutamente exquisito... algunos de los sonidos más delicados y bellos jamás creados con un sintetizador, completados con hipnóticas secuencias y motivos (¡sólo desearía que cada corte fuera 10 minutos más corto!). Pero entonces pienso en el corte que da nombre al álbum "Atem", fantasmal, demoniaco y espeluznante. O "Sequent C" de "Phaedra", que siempre me suena como si fuera tu último viaje a través del río Estigia, envuelto en una niebla fantasmal.

Ambos artistas han creado parte de la música electrónica más impresionante que haya escuchado en mi vida... aunque, para mí, desde el año 1982 (Logos), ha habido poco que me haya entusiasmado realmente de cualquiera de ellos. Sin embargo, eso realmente no importa... lo que importa es que, durante un corto periodo de tiempo fueron responsables de crear auténtica belleza... belleza que tiene ya su lugar en la historia.

(c) Luís Fernando Rodriguéz Romero y Manuel Lemos Muradás

 

1. You have collaborated with Stephen Parsick on his recent ['ramp] album Steel and Steam. What can you tell us about this collaboration?

 Stephan came over to the U.K. on a visit (about 10 years ago I think)....he may even have been here to play a gig somewhere.

Anyway, he stayed with us for a couple of nights. During that time we jammed in my home studio, me using my modular synths and him on minimoog, PPG, Rhodes etc.

I make a point of trying to record everything, even the "loosest" jams. Stephan asked if he could take a copy away with him and a few years later he sent me a CDR of something that he had edited together from those recordings.

He had also added extra stuff himself. I was happy for him to release this music.

Stephan stays close to his ideals in music, something which I admire. He also happens to be a very nice person. 

2. Who is your favourite sequence designer?

I've never really thought about that!.

I guess if I had to make a choice, then it would have to be Moog....not so much for the facilities (there aren't many!), but more for the easy way you can make constant changes while the sequencer is running.

There are many other analogue sequencers out there with a much higher spec...but they are horrible to use, far too small and fiddly. Give me the beautiful, physical and BIG Moog 960 any day!. 

3. Groups like Redshift bring back the sound of the Berlin School from the 70s, with impressive and powerful sequences and amazing, dark ambient passages. Would it be accurate to consider you as one of the fathers of this English electronic music inspired by the Berlin School?

I doubt that anyone taking up electronic music in the late 70's or after wasn't influenced by the music coming from Germany at that time (I'm sorry, but I really hate that term "Berlin School"....it wasn't a school and it wasn't always from Berlin!).

The dark, primeval music being made then resonated with me in a deeply emotional way. 

4. Your collaborations with composer Ian Boddy, either as ARC or Redshift, are truly impressive. How different are these two projects from each other?

With Redshift, we usually try to create the heavier, harder and darker style of music, with ARC I believe there is a lighter feel, even some tunes!.

Clearly, when similar personnel are involved there will be occasional crossovers between the two projects.

As a rule, though not always , most Redshift studio based music is just me alone. 

5. Many of your Redshift albums (for example the last one, the amazing "Colder") are live recordings. Do you already have a clear idea of the music you will be playing beforehand?

No....and yes.

A few weeks before a gig I will start to create some basic sequencer line, bass or melodic, and then send them to whoever else is playing as Redshift at that time. We all contribute other ideas for the rest of the music.

Because we all live in different places we only get together a few days before the gig, thats when we try a form a loose structure to the music.

By that I mean that I always start each track from a pre-decided set of sequence lines (although they often change during a piece). I actually write these lines down on paper so that after each main track has finished at the gig I have to frantically re-tune the sequencers to the next section. That can be fairly terrifying (I once tuned a sequencer row to  E minor when all the others were in C minor!).

We always record rehearsals,  the pieces can vary massively in terms of style and length but at least we have a form of loose structure we can all feel comfortable with.

What often happens at the actual gig is that someone (or indeed some people) add things we weren't expecting. No rehearsals sound like each other...and the actual concert performance is different again. 

6. Your last solo album, "Embryo", is from 1998. Are there any plans on releasing a new solo album in the future?

Well, Embryo was a re-mastered album that I originally recorded in 1978 (released in 1980 on cassette) so in a way it doesn't really count.

At the moment i doubt there will be any newer solo stuff (things can change of course). 

7. Which one do you like most, Tangerine Dream or Klaus Schulze?

For me music shouldn't be divided up into league tables. It's meaningless anyway, since each individual has a totally unique taste in music.

Is Beethoven better than Mozart?, is Monet better than Van Gogh?....it doesn't mean anything.

If you were to ask me which pieces of music by those two acts have had the most emotional effect on me then I would have to say that Mirage by Schulze is absolutely exquisite... some of the most delicate and beautiful sounds ever created on a synthesiser, complete with mesmerising sequences and motifs (I just wish each track was 10 minutes shorter!).

But then I think of the title track from Atem, ghostly, demonic and chilling.

 Or "Sequent C" from Phaedra which always sounds to me like your last journey across the Styx swathed in a ghostly mist.

Both these artists have created some of the most stunning electronic music ever heard....although, for me, since 1982 (Logos) there has been little to excite me from either of them.

That doesn't really matter though....the important thing is that during a short period of time they were responsible for creating real beauty...that is now secured in history.

Entrevista a Bernhard Wöstheinrich (también miembro de Centrozoon)

1. Además de músico eres pintor. ¿La pintura crea música y viceversa?

Yo no diría realmente que se nutren mutuamente, es más bien que parece como si todo ello proviniera de la misma fuente. Hace 25 años empecé a experimentar intensamente con mis propios sonidos y melodías tras descubrir que sólo la pintura no era suficiente para poder expresarme. Anhelaba algo que pudiera desafiarme más como artista. Supongo que eso explica mejor que nada lo que supone para mí las diferencias particulares y los puntos en común entre esas dos disciplinas.

2. Centrozoon es un proyecto que tiene una base: tú y Markus Reuter. Pero Centrozoon es un proyecto abierto ¿verdad?

Básicamente Centrozoon tiene una clara estructura en lo que respecta al número de miembros implicados en la banda. Sin embargo solemos incorporar, de muchas formas, la aportación de muchos otros artistas diferentes y mentes creativas. Posiblemente la colaboración más importante que hayamos hecho hasta ahora ha sido con el cantante Tim Bowness (No-Man).

Centrozoon ha formado equipo ahora con Tobias Reber, de Suiza, así que ahora tenemos que considerar el grupo como un trío. Tobias ya ha aparecido en nuestro álbum “Lovefield” del año 2007, con programación y tratamientos algorítmicos adicionales, y también estuvo implicado en la edición. En nuestro último lanzamiento, “Boner”, figura de forma muy destacada como el tercer miembro de la banda.

3. Has colaborado con mucha gente: Erik Wollo y Conrad Schnitzler, por ejemplo. ¿Qué buscas con estas colaboraciones? ¿Expandir tus sonidos?

Si alguien trabajara en solitario las fronteras creativas aparecerían mucho más rápidas que si fuera un proyecto conjunto. De hecho, toda mente creativa que tome parte en el proceso multiplica las posibilidades. Se trata de comprender que uno está más en peligro de atascarse por sus propias limitadas expectativas y concepciones que si se atreve a arrojarse a la vorágine de una disputa creativa con otra persona. Pero supongo que este concepto se confunde a menudo con una cierta y agotadora necesidad de llegar a compromisos poco convincentes.

4. ¿Por qué estilo te sientes más atraído? ¿El “ambient” o la electrónica experimental? ¿Por qué?

Me resulta especialmente complicado contestar a esta pregunta, dado que realmente no hago distinciones como ésta en primer lugar. De todos modos, suelo trabajar en un contexto bastante conceptual. Sin embargo, en lo que respecta a estos dos estilos musicales mencionados, el enfoque básico es casi el mismo para mí de todas formas. Sellos como “ambient” y “experimental” tienen también una serie de connotaciones que a veces dificulta al oyente tomar conciencia de cuál es el auténtico sentido detrás de la música. El álbum “Blast” de Centrozoon, por ejemplo, podría considerarse, fácilmente, como un trabajo “ambient”, y sin embargo para mí hay muchos elementos más propios de la música experimental en esa música. Así pues, ¿cómo debería clasificarse, “ambient” o “experimental”? No sería capaz de contestar a esa pregunta.

5. ¿Quién es tu compositor predilecto de música “ambient”?

Mencionaría a unos cuantos, como Brian Eno, Markus Reuter, Robert Fripp, Roger Eno, Michael Peters y Steve Roach.

6. Y ahora una pregunta difícil: ¿Tangerine Dream o Klaus Schulze?

.. bueno, supongo que Klaus Schulze. Me gusta la “pureza” de su enfoque y ese modo “clásico” a la hora de interpretar su música. También aprecio el hecho de que fue capaz de reinventarse a sí mismo en varias ocasiones.

(c) Luís Fernando Rodríguez Romero y Manuel Lemos Muradás

 

1. You are not only a musician, but also a painter. ¿Does painting nurture music and viceversa?

I wouldn’t actually say that they nurture each other, it is rather like that it seems that it all comes from same origin.

25 years ago I started to intensely experiment with my own sounds and tunes after I found out that just drawing and painting wasn't yet enough for me to express myself. I was longing for something that could challange me in a more performing way. I guess that explains the best what makes for me the particular differences and the things in common of those two disciplines.

2. Centrozoon is a project centered on Bernhard Wöstheinrich and Markus Reuter. However, it is still open to new incorporations, isn't it?

Basically centrozoon is a very straight set-up in terms of the involved band members. Nevertheless we use to incorporate in many ways with a lot different artist and other creative persons. Possibly the most prominent collaboration we did up to now was the one with the singer Tim Bowness (No-Man).

centrozoon now teamed up with Tobias Reber from Switzerland, so that we now have to consider centrozoon as a trio.

Tobias appeared already on our release “Lovefield” from 2007 with additional

algorithmic treatments and programming, and also he was involved in the editing. On our current release “Boner” he just figures very prominently as the third band member.

3. You have collaborated with lots of musicians, Ian Boddy, Erik Wøllo and Conrad Schnitzler, to name a few. What do you expect from these collaborations? Maybe to expand your sounds palette?

If someone just work alone boundaries will be encountered much faster as if it was a conjoint project. In fact every creative mind which takes part in the process multiplies the possibilities. It is all about understanding that one is much more in danger of getting gridlocked by the own limited expectations and conceivabilities then just to dare to jump into the maelstrom of a creative dispute with someone else. But this concept is often mistaken with a certain exhausting necessity of finding unconvincing compromises, I guess.

4. Which style do you feel more drawn to? Ambient or experimental? And why?

This is pretty difficult to answer for me, since I do not really make differences like this in the first place. I use to work in a quite conceptual contexts, though. However, regarding to this two mentioned styles in music the basic approach is almost the same for me anyway.
Labels like “Ambient” and “Experimental” also have a kind of connotation which sometimes makes it difficult to make the listener aware about the actual idea behind it. Centrozoon’s release “Blast” for example could be easily considered as an ambient release, but yet for me there is a lot experimental attempt in it. So, how should it be filed now, “Ambient” or “Experimental”? I wouldn’t be able to tell.

5. Who is your favourite ambient composer?

There are a few to mention, like Brian Eno, Markus Reuter, Robert Fripp, Roger Eno, Michael Peters and Steve Roach.

6. Now a tough question: Tangerine Dream or Klaus Schulze?

... well, Klaus Schulze, I guess. I do like the ‘pureness’ of his approach and the kind of classical manner in perfoming his music. I also appreciate that he was able to re-invent himself already a couple of times.